导演其实是用镜头给大家讲故事的人，既然他的工具是镜头，那我们就从镜头的最小单位去谈起。
我用一个比较让大家容易理解的方式，粗略的把镜头概括为“五色光”。
景别分为特写、近景、中景、全景、远景。
特写按严格的定义来说，它是表现某物的一个细节，或者是某人的某一种情绪。
特写的表意功能是什么？当需要展现人物情绪，或者是说要放大人物情绪的时候，我们会选择特写。
近景是拍人物胸部以上的镜头。它的表意功能是什么呢？展现人物个体。
所以近景经常会被用于拍摄正反打、对话戏、过肩镜头等，它展现的是人物，更多的是人物上半身的肢体，包括他的语言、对话。
中景是表现人与环境之间的关系。全景其实跟中景有点像，也是人物与环境之间的关系。
但是中景更侧重于人物，全景更侧重于环境，所以中景跟全景最大的不同就是人与环境的关系比例的不同。
远景顾名思义就是摄像机拍向远方。举个最简单的例子，大家看一些好莱坞电影，里面一开始都会有一个大环境的介绍，然后从大环境锁定到出厂的人物或者主角。
导演一定要清楚每一个景别的表意功能，每一个景别要传达给观众什么样的效果。
镜头的运动分为推、拉、摇、移、跟、升、降。
首先来说推、拉。在数码科技还没有这么发达的时候，当时1080p的机子是有推拉键的，例如索尼150、松下180，通过用这种即推即拉来实现变焦。典型代表是香港以前的电影，比如一场打斗戏，经常有很多即推即拉。现在很少用，取而代之的是前移、后移、跟摇这种运动方式的综合体。
一个导演如果擅长运用运动镜头的话，他的片子会自然而然形成一种高级感。现在有很多旅拍片，包括有很多Vloger，就是做Vlog的那些博主，他们会选择一些比较酷炫的转场，那这个酷炫的转场的根基是什么？就是运动镜头。
很多人都有这样的困惑，为什么我拍的片子感觉死气沉沉的？
原因很简单，就是你的镜头不够丰富，镜头语言太单一，造成转场的死角。
关于转场有以下两种方式：
一种是A场和B场做一个无缝衔接，来表明我的时间和空间是同步的。
另一种是空间不同步、但时间同步，或者是时间不同步、但空间同步。这时候你用到无缝衔接，你就会自然而然给观众一种高级感。
接下来我着重说一下摇跟移的不同。
摇镜头摄像机的支点是不变的，它属于在摄像机某个固定支点下，用摄像机的运动来扩展你的视角的这么一种镜头。
但移不一样，移的支点是跟人物或者物体保持平行状态的运动。它是跟人或物在一起运动的，所以有一种身临其境的感觉。这两种方式没有好坏，就看你怎么用，或者说你在什么情况下用。
摇镜头有一个比较特殊的功能，就是在急摇的状态下，它可以做转场。当我从左到右，我先急摇一个镜头，然后下一个镜头还是从左到右，我两个向右的摇镜头就可以接成一个镜头。比如说拍车戏或者打戏的时候，经常会用到摇镜头。急摇能让你镜头的组合变得快。这种组接方式，会让镜头的节奏变快，人们也会跟着你心里节奏一起动。
镜头的角度可以分为平视，仰视、俯视，这三种也是最基本的一种划分镜头角度的方式。当然还有一些倾斜构图，也属于镜头角度的范畴。
平视镜头其实很简单，大家看新闻联播的主播对着一个镜头，大部分都是平视镜头，因为他想与观众产生一种平易近人的感觉。
那么仰视、俯视大家生活中都能接触到。比如说你给你女朋友拍照片，然后你女朋友说你把我拍高一点，大家都用仰视镜头，恨不得趴在地上给女朋友拍。这个东西在生活中其实也显而易见，但作用于我们真实拍片子过程中，它怎么用还是有一门学问的。
俯视在影视作品里还有一个更深层的视听功能。比如说我们俯拍的时候啊，可以看到警务纵身排列的一个状态。它注重的是“行”，这个“行”是行政的行。尤其俯视拍全景的时候，可以拍到房屋或者人物的排列，它是有一个形状的。
所以我们用俯视镜头，不光是展现人物的渺小，或者人物的不堪，还可以展现线条。线条感往往用于一些比较形式主义的片子，他们会讲究形状、物体的大小、排列组合等，然后来给观众一种视觉上的冲击。
仰视镜头也不光是单单的一层表意功能，它还有很多功能。比如说一个小孩子跟一个父亲对话，那他的视点其实就是一种仰视。如果我要过小孩肩部去拍父亲，那仰视镜头在此时变成了一种新的东西，它是孩子看父亲的一个视点，这也是仰视功能的另一层表意功能。当然还有很多很多，在这节课上我就不赘述了，大家在实践中会有更进一步的体会。
还有一种比较特殊的角度叫做倾斜构图。倾斜构图法在王家卫的电影中经常会用到，大家看王家卫的电影，比如《说旺角卡门》、《阿飞正传》、《东邪西毒》、《春光乍泄》等，里面用很多倾斜构图来表现人物心理平衡的一种扭曲。
因为王家卫喜欢拍摄的人物，大部分都是城市的小人物。他想展现小人物的无奈、彷徨、失落，甚至是孤独，所以把人物的天平故意倾斜，然后给观众一种内在的冲突，让观众身临其境的感受到人物的渺小、无奈与痛苦，这也是他的一种表达方式。
当然，倾斜构图还有很多表意功能。比如说我们拍广告，尤其是拍嘻哈的MV，全是倾斜构图，一推即拉，用这些来制造一种镜头的猎奇感。但是当我们拍摄的时候要心中有数，我们为什么要用倾斜构图来做这个事情。
广义上的焦距可以分为广角、中焦、长焦。
广角有一些定焦镜头，比如说182535等，中焦是45065，长焦75毫米以上。有人肯定说，焦距好像是摄影师的这个工作范畴，其实不是。那这些东西对于导演有什么用呢？导演必须要明白，什么时候用广角，什么时候用中焦，什么时候用长焦才能达到更好的效果。
广角镜头，大家都知道有一种畸变的效果，甚至广角的比较极端的一种特殊镜头:鱼眼镜头，可以三百六十度拍摄。广角镜头一般展现的都是大环境，经常用于拍远景、全景等。
中焦段，也是我们经常会用到的，4550、包括65等。最趋向于人眼的焦段就是50，所以50焦段的镜头卖的特别好。50定焦的镜头有便宜的，有贵的，价格比较有层次，能供很多人去选。因为50这个焦段它不出错，好像什么都能拍。尤其拍人物的时候，50拍出来比较好看。
但其实我个人比较喜欢的焦段，它是属于管广角范畴里面的35，这个焦段对于拍广告来说，用处还真的挺大的。因为我们拍广告一天有的时候可能二十个镜头、三十个镜头感觉挺多的。那么35这个镜头正好是广角和中焦之间的一个过渡。所以35其实拍中景、拍近景都是没有问题的。
而且35的定焦的纵深感、包括人物与画面的距离感是最舒服的。我的感觉是35的透视关系是介于真跟假之间，50拍出来的人物太美好了，就我反而更喜欢这种相对真实的一些东西。但这也要看你要什么效果，如果护肤品广告，或者要给脸部大特写，你当然还是用50或者长焦这样的镜头，因为它会把这种透视关系呈现的特别美好。
大家可以去试，用不同焦段拍同一物体或者是同一人物产生出不同的效果。但还是要具体问题具体分析，而不是说是我们有很多固定的模式。
当然我们不用像摄影师了解的那么具体，但是导演在感官上或者表意上的对镜头最基本的了解还是要有的。因为作为导演，当然要了解你出现的画面的根源在哪里，你也好跟摄影师去沟通。比如说出现不了自己满意的画面，你想要人与物的疏离感，可能摄影师给了你个50，发现这种疏离感出不来，你现在要求他换35、25都是没有问题的。
再比如说你要展现父子之间的亲密关系，一开始是争吵有矛盾的，后来矛盾被解决，和解达成一定的共识，父子关系升级，变成一种紧密关系。那此时，你要用长焦镜头的话，你就能把父与子之间的这种亲密感来传达给观众。这就是说导演运用镜头语言来给观众去讲故事，或者是给自己讲故事。
镜头的速率可以分为升格、降格，抽帧。
升格就是大家普遍理解的慢镜头，降格就是快速镜头，动作加快。比如说卓别林的电影，他特别喜欢用降格。升格就是我们现在拍广告经常使用的，有的时候五十帧、六十帧，甚至有的时候一百帧，有的时候拍特高速的食物、粉饼甚至可能用到一千格，当然一千格的话，要特殊的摄影机来完成。
抽帧其实也是王家卫电影里善用的一种方式。比如说《重庆森林》，它就是抽帧，把人物与城市之间的这种疏离感用抽帧的方式来展现给观众。
当然大家还是要明确这五个元素到底有什么，要铭记在心，不断的运用到自己的拍片实践中。由理论到实践，再实践，再回理论，自己的知识体系不断的丰满和升华。
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